Đạo diễn nổi tiếng Naoko Yamada của anime mới đây đã tạo ra một tác phẩm đầy cảm xúc về cái chết, hay chính xác hơn, nỗi đau.

Đạo diễn này nổi tiếng với công việc với studio Kyoto Animation, đặc biệt là loạt anime hài đời thường K-On!, bộ anime dựa trên manga A Silent Voice, và một số tác phẩm của Sound! Euphonium. Gần đây, Yamada đã đạo diễn The Heike Story, một bộ phim mà cô thực hiện với Science SARU, studio hoạt hình đứng sau Inu-Oh mới đây.

Bộ phim ngắn mới của cô, cũng được thực hiện với Science SARU, được đặt tên là Garden of Remembrance. Nó rất tác động. Sự tập trung của nó vào cuộc sống hàng ngày, bảng màu nhạt nhẽo, âm nhạc di chuyển và tính đơn giản gian dối tất cả mang lại sức mạnh đặc biệt cho bộ phim. Nó tóm lược một loạt những cảm xúc phức tạp phát sinh từ việc mất đi một người thân yêu và cảm giác sâu sắc cá nhân đồng thời truyền đạt một cảm giác về cái chung. Nỗi đau xâm nhập vào mọi người và có thể khiến chúng ta cảm thấy cô lập và cô đơn, nhưng cuộc sống vẫn tiếp tục.

Các mẫu vòng xoáy trong tách cà phê hoặc hoa tượng trưng cho vòng xoáy của nỗi đau, nhưng cũng tượng trưng cho ý tưởng rằng thế giới vẫn tiếp tục quay. Lễ nghi hàng ngày có thể khiến chúng ta cảm thấy như bị giam cầm nhưng cũng mang lại sự an ủi, và chính qua tính lặp đi lặp lại của việc thức dậy mỗi ngày, nhân vật chính trong bộ phim của Yamada – và kế thừa đó, chúng ta – bắt đầu lành lại từ từ. Sự thay đổi nhỏ trong nghi thức và rất trình tự tạo dấu hiệu cho sự thay đổi tăng dần; một sự thay đổi trong cảm xúc; một cái cảm giác rằng cô ấy, và chúng ta, phải và sẽ tiếp tục vươn lên. Sự thiếu đi đoạn hội thoại làm sâu sắc thêm sự phức tạp của những gì chúng ta cảm thấy khi xem.

Sức mạnh của việc không có đoạn hội thoại

“Ban đầu, khi dự án này bắt đầu, điểm khởi đầu đã là việc hợp tác giữa âm nhạc và hoạt họa,” bắt đầu Yamada, đang trò chuyện với Fandom trước buổi ra mắt phim trên toàn cầu tại Liên hoan phim Scotland Loves Anime. “Chúng tôi tập trung vào những gì hoạt họa có thể miêu tả cũng như những gì âm nhạc có thể mang lại cho dự án này. Vì vậy, ban đầu không cần đoạn hội thoại. Nhưng nếu chúng tôi đi sâu hơn, tôi nghĩ rằng những gì tôi cảm thấy là đoạn hội thoại đôi khi có thể giới hạn cách hiểu và cách thể hiện trong hoạt họa. Bởi vì nó bắt buộc duy nhất một cách hiểu đối với khán giả, trong khi việc loại bỏ đoạn hội thoại sẽ mở ra những cách khác nhau để hiểu sự sáng tạo. Đó là điều mà tôi muốn khám phá trong tác phẩm này.”

Yamada nổi tiếng với việc coi tất cả các nhân vật của mình như những cá nhân thực sự. Trong Garden of Remembrance, điều này đặc biệt mạnh mẽ với nhân vật chính vì những tính cách đặc biệt của cô ấy thực sự giúp chúng ta, đúng vậy, cảm thông, nhưng cũng đồng cảm sâu sắc. Ngay cả khi chúng ta không chia sẻ những đặc điểm hay hành vi cụ thể của nhân vật, chúng ta được khuyến khích để nhìn vào những khoảnh khắc nhỏ mà chúng ta chia sẻ và có thể đã coi nhẹ với người thân yêu. Nhưng làm thế nào Yamada đã thành công trong việc đặt mình vào tâm trí của nhân vật và diễn đạt điều đó trên màn ảnh?

“Đó là câu hỏi khó trả lời,” Yamada nói. “Để hiểu được tư duy của nhân vật, có nhiều yếu tố – một phần của tôi đi vào quan điểm của nhân vật. Nhưng cũng có một phần khác của tôi đang nhìn chúng như một người quay phim. Và ngay cả khi tôi đi vào tư duy của nhân vật, không có cảm xúc của tôi đang trải qua những gì nhân vật trải qua.

“Có một số tầng lớp khác nhau về quan điểm của nhân vật, nhưng về cơ bản, tôi rất quan tâm đến những gì con người trải qua về cảm xúc và những gì họ trải qua. Và tôi luôn ngưỡng mộ những người có thể thể hiện cảm xúc của họ một cách tự do. Những người biểu đạt và cởi mở. Tôi luôn muốn tôn trọng và lưu ý khi miêu tả những gì nhân vật trải qua. Và tôi cũng có chính sách là tôi không sáng tạo cho riêng mình. Cảm xúc không dành cho tôi một cách cá nhân. Tôi chỉ là người quan sát những gì đang diễn ra.”

Một câu chuyện về hậu cảnh của cuộc sống

Với Garden of Remembrance, Yamada muốn miêu tả những cảm xúc yêu thương hoặc quan tâm chúng ta có thể dành cho ai đó và những nơi mà chúng có thể hướng đến nếu cảm xúc đó chỉ thuộc về một phía. Trong trường hợp người thân yêu mất đi, những cảm xúc đó trở thành một phía một chiều.

“Vậy khi chỉ một phía, nó đi đâu?” Yamada nói. “Tôi thực sự muốn kính trọng những cảm xúc đó của sự quan tâm chúng ta dành cho nhau và những gì con người cảm thấy với con người khác. Tôi thực sự muốn miêu tả điều đó một cách rất thực tế, thực tế.”

Cô tiếp tục, “Tôi đã nghe một câu chuyện liên quan đến hậu cảng. Liên quan đến sự quan tâm chúng ta dành cho ai đó, nếu ai đó chết, và nếu những gì còn lại là linh hồn của họ, và nếu họ đi đến một thứ gì đó như thiên đường, tôi đã nghe rằng nếu chúng ta nghĩ về những người đã mất, cảm xúc của chúng ta sẽ trở thành hoa và được gửi đi thiên đường. Ai đó đã kể cho tôi điều đó và tôi nghĩ, ‘Ồ, sao, một mô tả đẹp và một điều tuyệt vời để nghĩ về điều đó.’ Đó là điều đã truyền cảm hứng cho tôi.”

Cân bằng ánh sáng và bóng tối

Khi xem phim, bạn sẽ nhận thấy bảng màu mà Yamada sử dụng chủ yếu là các sắc thái mờ nhạt và màu pastel. Có một cảm giác về một sự tươi sáng bị làm mờ mà chúng ta có thể liên kết với ý tưởng về cái hố bị mất đi người thân yêu, và chắc chắn sau đó trong phim, có những bông hoa màu đỏ và xanh lam mạnh mẽ hơn các màu của phần còn lại của phim và trực tiếp đại diện cho tình yêu đã mất của nhân vật chính. Nhưng việc chọn màu sắc cũng đại diện cho một nỗ lực cố ý của Yamada để cân bằng sự tối tăm của chủ đề mà bộ phim của cô khám phá.

“Bởi vì chủ đề mà tôi đang khám phá có phần nghiêm trọng – tập trung vào cái chết – tôi muốn biến nó thành một cảnh hạnh phúc hơn, cái nhìn của người xem. Gần như để cân bằng những gì [bộ phim đang giải quyết],” Yamada nói. “Nó gần giống như một liều vắc-xin để đối mặt với một cái gì đó nghiêm trọng trong những gì đang được miêu tả. Tôi muốn có sự tương phản giữa màu pastel và chủ đề.”

Cộng đồng Fandom đặt câu hỏi

Yamada luôn rất suy nghĩ cẩn thận về cách tiếp cận công việc của mình và trình bày nó cho khán giả. Cô ấy hướng đến những tinh thần và thực hành của điện ảnh thực tế, sử dụng chúng cho công việc của mình trong hoạt hình. Điều này áp dụng cho cách cô ấy định vị các nhân vật, chơi với góc máy và nhiều hơn nữa. Trong quá khứ, cô ấy đã nói rằng cô ấy thích tập trung vào chân của nhân vật – không phải theo cách mà Quentin Tarantino yêu thích chân – mà vì chúng ta di chuyển chân khi chúng ta bị lo lắng. Đó là một cách chân thực, quan sát tốt để miêu tả cảm xúc.

Chúng ta thấy điều này trong Garden of Remembrance, nhưng nó cũng đặc trưng cho các công việc khác của cô ấy. Dòng công việc phong phú của Yamada đã đúng đắn mang về cho cô ấy một ngàn người hâm mộ. Vì vậy, chúng tôi đã thực hiện những điều hợp lý và tìm kiếm câu hỏi từ một số fan của cộng đồng anime của Fandom để đặt câu hỏi cho cô ấy.

JC The Beard#1240, muốn biết làm thế nào công việc của cô ấy đã thay đổi, muốn biết làm thế nào làm việc tại Science SARU trên dự án này và dự án trước đó The Heike Story so sánh với những trải nghiệm của cô ấy tại Kyoto Animation.

“Có thể là ở mặt bề ngoài, nhưng sự khác biệt lớn nhất đối với tôi là các công cụ mà tôi sử dụng để tạo ra hoạt hình,” Yamada nói. “Bởi vì khi tôi ở Kyoto Animation, mọi thứ đều được thực hiện bằng bút và giấy; và bằng bút chì và giấy. Nhưng Science SARU gần như là số liệu kỹ thuật số 100%, vì vậy sau khi tôi bắt đầu hợp tác với Science SARU, tôi học hoạt hình kỹ thuật số. Vậy đó là điểm khác biệt lớn đối với tôi.”

Sound! Euphonium

Một loạt anime cô ấy sẽ quay trở lại nhiều lần khi làm việc tại Kyoto Animation là Sound! Euphonium. Yamada đã làm việc cho cả series và các bộ phim liên quan. JC The Beard#1240 cũng muốn biết cảnh hoặc đoạn đặc biệt nào từ tất cả các bộ phim Sound! Euphonium mà cô ấy làm là yêu thích của cô ấy, và điều gì làm nó đặc biệt đối với cô ấy?

Cô ấy chọn một cảnh cụ thể: “Đó là công việc mà tôi đạo diễn, phần phụ. Liz and Blue Bird có lẽ là bộ phim yêu thích của tôi. Đó là một điều mà tôi rất quý trọng.”

Và, Mace/wcfb75#1653, nhân vật Sound! Euphonium nào cô ấy liên kết nhiều nhất?

“Điều này liên quan đến câu hỏi trước đó của bạn,” Yamada nói. “Nó không phải là ai tôi liên quan nhiều nhất, nó thực sự là mỗi nhân vật tôi đã được ấn tượng bởi – hành vi của họ và những gì họ nói. Khi họ làm điều gì đó hoặc nói điều gì đó, tôi như, ‘Ồ, okay, tôi không nhận ra đó là quan điểm mà bạn có’ hoặc như ‘Không, đây là cách suy nghĩ’ vì vậy tôi đã học được rất nhiều bằng cách quan sát. Nó chỉ làm tươi mới và thấy những gì họ cần phải nói.”

K-On!

Ở thời kỳ đầu của sự nghiệp, Yamada đã làm việc trong series K-On!, về một ban nhạc rock của trường trung học. Mashi #ShikiSweep/Mashi#8176 muốn biết tập phim của series mà cô ấy thích đạo diễn nhất.

“Thực sự là tập đầu tiên,” Yamada nói. “Đó là bởi vì tôi rất hào hứng để tạo ra câu chuyện với những nhân vật đó lần đầu tiên; miêu tả thế giới của họ. Tôi nhớ rất hào hứng. Chỉ là sự hào hứng bùng phát bên trong tôi. Vì vậy, chắc chắn là tập đầu tiên.”

Và sau đó điều gì là điều cô ấy thích nhất khi làm việc trên K-On! The Movie, Indigo Drift #HirasawaSupremacy/Indigo Drift#1340 hỏi.

Yamada nói: “Chỉ là tốt để có thể đến Luân Đôn cho bộ phim đó và cho nhân vật trải nghiệm Luân Đôn.”

Một số fan, như Yoshix/FCDA#0466, rất mong muốn thấy Yamada trở lại thể loại hài hước đời thường tương tự như K-On! và loạt phim Tamako Market năm 2013 của cô ấy, kể về cuộc sống của một học sinh trung học cha mẹ của mình vận hành một cửa hàng mochi. Đây có phải là thể loại mà cô ấy có thể trở lại trong tương lai không?

Yamada nói: “Chắc chắn. Có thể có nhiều khả năng vì tôi thực sự thích thể loại đó.”

Dự án mong ước

Một tin tốt cho Yoshix/FCDA#0466 và tất cả những người khác yêu thích công việc trước đây của Yamada. Điều đó đặt ra câu hỏi, dự án nào là khó khăn nhất mà cô ấy đã làm trong sự nghiệp của mình? Câu hỏi do Yogurt of the Yoshi/donial#0986 đưa ra.

“Mỗi dự án của tôi đều khó khăn thật sự,” Yamada thừa nhận. “Bởi vì tôi luôn cảm thấy như mình bắt đầu từ con số không và sau đó xây dựng điều gì đó. Vì vậy, luôn là một thách thức để nghĩ và quyết định thực sự tôi sẽ làm gì. Đó là một thử thách liên tục. Khó chọn một thứ. Nó chỉ là một quá trình liên tục.”

Vậy làm thế nào khi một dự án cuối cùng ra mắt chính thức?

“Điều đó thú vị vì một khi dự án hoàn thành, khi bộ phim hoàn thành, linh hồn của tôi chỉ tách ra khỏi công việc đó,” Yamada giải thích. “Tình yêu luôn luôn còn cho các tác phẩm, nhưng không cảm giác như tôi gắn kết với điều gì đó và những gì đã xảy ra; những gì đã được thực hiện. Vì vậy khi nó hoàn thành, nó rời xa tôi, nhưng tôi luôn yêu những gì đã được tạo ra.”

Có một bộ truyện tranh, tiểu thuyết hoặc câu chuyện mà cô ấy muốn chuyển thể nếu cô ấy có cơ hội, BurgahBoy#3510 hỏi.

“Nếu tôi phải đặt tên một cái gì đó, đó sẽ là Beneath the Wheel của Hermann Hesse. Ông là một nhà văn Đức,” Yamada nói. “Tôi nghĩ rằng sẽ tạo ra một bộ phim hoạt hình rất đẹp.”

Bản tiểu thuyết năm 1906 không hề có tính hài hước, nhưng nó tập trung vào một đứa trẻ tuổi học sinh – một cậu bé tài năng được gửi đến trường nội trú nơi giảng dạy xuất sắc hơn về học thuật tại sự thiếu điều kiện phát triển cá nhân. Hiệu suất của cậu bắt đầu giảm với sự xuất hiện của triệu chứng của bệnh tâm thần, và cậu được gửi về nhà, sau đó cậu gặp khó khăn khi thích nghi.

Không khó để tưởng tượng câu chuyện này dưới dạng anime nhưng không thể phủ nhận rằng trong tay Naoko Yamada, nó sẽ trở thành một cái gì đó cá nhân, độc đáo và, không cần phải nói, hấp dẫn. Hy vọng cô ấy sẽ có cơ hội thực hiện dự án mong ước của mình sớm hơn là muộn.